爵士乐在诞生之初是如何被主流社会看待的？是“高雅艺术”还是“堕落之音”？

好的，这个问题很有意思，咱们聊聊。

如果一句话总结：在诞生之初，爵士乐在主流社会（特指当时的白人精英社会）眼里，妥妥的是 “堕落之音”，跟“高雅艺术”半毛钱关系都没有。

把它想象成一百年前的“喊麦”或者某些被家长们视为“精神鸦片”的流行文化，你大概就能体会到当时主流社会对它的感觉了。

为什么会这样呢？主要有三个原因：

古典乐，那是欧洲贵族的玩意儿，在富丽堂皇的音乐厅里，大家正襟危坐地欣赏。

爵士乐呢？它诞生于19世纪末20世纪初的美国新奥尔良。它的摇篮是当地的酒吧、舞厅，甚至是声色场所林立的“斯托里维尔”（Storyville）红灯区。演奏者主要是非洲裔美国人，听众则是来这里寻欢作乐的各色人等。

在当时种族歧视严重的社会背景下，主流社会自然会给这种音乐打上标签：“这是底层黑人的、粗俗的、跟酒精和性联系在一起的音乐。” 这种出身“原罪”，让它从一开始就被“高雅”拒之门外。

当时的“正经”音乐是啥？是结构严谨、旋律优美、和声和谐的古典乐和欧洲民谣。而爵士乐的特点，在他们听来简直是“胡闹”。

强烈的节奏和摇摆感（Syncopation & Swing） 爵士乐的节奏非常特别，有很多切分音，会让人忍不住想跟着点头、抖腿、跳舞。在那个连跳华尔兹都觉得很优雅的年代，爵士乐带来的那种扭动身体的、充满活力的舞蹈（比如查尔斯顿舞 Charleston），被卫道士们看作是“原始的”、“带有性暗示的”、“不体面的”。
大量的即兴演奏（Improvisation） 古典音乐家严格按照乐谱演奏，一音不差是基本功。爵士乐手呢？他们经常在基本旋律上进行天马行空的即-兴-发-挥！这在主流听众看来，简直是“乱弹琴”，毫无章法，是对音乐艺术的亵渎。他们不理解，这种看似“混乱”的背后，其实是高超的技巧和乐手间的默契互动。
“脏”音色和蓝调元素（Dirty Tones & Blue Notes） 爵士乐手经常会用小号或长号模仿人声的哭泣、咆哮，制造出各种“粗糙”、“不干净”的音色。再加上那些听起来有点“跑调”、充满忧郁感的蓝调音阶。这和古典乐追求的纯净、优美的音质完全背道而驰。他们会觉得这种声音是“粗鲁的”、“不悦耳的”。

到了20世纪20年代，美国进入“禁酒令”时期。但上有政策，下有对策，地下酒吧（Speakeasy）遍地开花。而这些地方的背景音乐，几乎全是爵士乐。

于是，爵士乐就和私酒、黑帮、放荡的年轻人（被称为“Flappers”的短发时髦女郎）以及战后一代的叛逆精神牢牢地捆绑在了一起。当时很多报纸和杂志都在抨击爵士乐，说它“会导致年轻人道德败坏”、“是撒旦的音乐”、“正在摧毁美国的文明”。

当然，故事的结局我们都知道。爵士乐的魅力是挡不住的。

一些白人音乐家，比如被誉为“爵士之王”的保罗·怀特曼（Paul Whiteman），将爵士乐进行了一些“改良”，变得更“温和”、更“华丽”，使其更容易被白人中产阶级接受。
随着路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）这样的天才音乐家出现，爵士乐的艺术性和技巧征服了越来越多的人。
到了三四十年代的“摇摆乐时代”（Swing Era），爵士大乐队（Big Band）的音乐成了当时最流行的舞曲，爵士乐已经成为了美国流行文化的主流。
再往后，经过比波普（Bebop）等风格的演变，爵士乐变得越来越复杂、越来越强调个人技巧和艺术性，最终才被公认为是一种可以与古典乐平起平坐的、深刻而复杂的美国原创艺术形式。

所以，爵士乐的逆袭之路，本身就是一部精彩的社会文化史。它从最底层的喧嚣和偏见中走来，最终登上了艺术的殿堂，这过程本身就挺“爵士”的，不是吗？